DISPARITION – Il est l’un des derniers géants de l’Amérique d’après-guerre qui vient de disparaître, à l’âge de 87 ans. Pas de grand musée, de New York à Bâle ou Amsterdam, sans une de ses œuvres, d’abord minime, puis « maximum »il a dit.
L’un des derniers géants américains de l’art d’après-guerre n’est plus. À peine plus d’un mois après la mort du sculpteur de monumentaux et d’acier Corten, Richard Serra, le 26 mars à l’âge de 85 ans, un autre monument américain d’après-guerre disparaît pour entrer dans les livres d’histoire de l’art. Frank Stella est le peintre et sculpteur américain dont les très grands formats sont à l’honneur au MoMA (Museum of Modern Art) qui lui a offert une rétrospective en 1970, faisant de lui le plus jeune artiste ainsi célébré, et lui a consacré au total 73 expositions. Le Whitney Museum de New York lui a consacré un étage entier pour sa rétrospective spectaculaire de 2015. Il est en majesté au Guggenheim de New York et de Bilbao, au Kunstmuseum de Bâle et au Ludwig Museum de Cologne.
Celui qui a commencé sa longue et prolifique carrière avec ses premières œuvres très minimalistes, celui que se disputaient les musées et les collectionneurs privés, l’artiste des artistes, est décédé à l’âge de 87 ans, dans sa maison de Manhattan, victime d’un lymphome, a rapporté ce nuit New York Times. Frank Stella s’est approché de la barre des 88 ans. Il était une légende new-yorkaise, à l’image du bâtiment Van Tassell and Kearney Horse Auction Mart dans l’East Village qui lui servit de studio de 1978 à 2005, avant de déménager dans celui de Newburgh au nord de New York.
Né à Maiden le 12 mai 1936 dans le Massachusetts, de parents venus d’Italie, cet aîné de trois frères et sœurs a étudié à la Phillips Academy, s’est formé auprès du peintre abstrait Patrick Morgan et a été initié très jeune par le peintre Stephen Greene et l’art. l’historien William Seitz, sur la scène new-yorkaise. Influencé par l’expressionnisme abstrait, le mouvement américain d’après-guerre qui a balayé l’idée de réalisme, il s’engage sur le chemin de l’abstraction et du minimalisme avec son premier « Peintures noires » (Le mariage de la raison et de la misère, II, 1959, le noir du tableau souligné par un trait lumineux qui dessine un labyrinthe). Réalisés avec de la peinture industrielle, ils brouillent l’idée de géométrie en alternant bandes peintes et espaces sur la toile laissée vierge. Ce sont aujourd’hui des pièces de musée, de New York à Bâle, de Londres à Amsterdam.
Ce fumeur de cigare au charme sombre aurait eu sa place dans la trilogie de Parrain par Francis Ford Coppola, car c’était un homme concentré au charme italo-américain. Homme d’action, homme de peu de paroles, aux répliques facilement sarcastiques, il était le prototype de l’artiste farouche, bien qu’adulé des collectionneurs et des institutions qui organisaient des soirées ultra VIP à Manhattan dont il était le Jupiter. Cet artiste, reconnu très tôt, a rejeté les tentatives d’interprétation de son œuvre par la critique américaine. En 1961, il affirmait – entre provocation et manière de couper court à toute brillance – qu’un tableau n’était qu’un « surface plane avec de la peinture dessus ».
« En 1959, l’Américain Frank Stella (né en 1936), alors âgé d’à peine vingt ans, conquiert du jour au lendemain la scène artistique new-yorkaise. Il révolutionne la peinture abstraite grâce à son Peintures noires réalisé la même année – l’un d’eux Château de Morro fait désormais partie de la collection bâloise.souligne le Kunstmuseum Basel lors de l’exposition de ses collections, à l’été 2015, à « Frank Stella – Peintures et dessins» au Museum für Gegenwartskunst. « Stella renonce à toute notion d’espace et de profondeur, pour que forme et contenu deviennent indissociables. Il souligne ainsi la planéité de la toile et son caractère de tableau-objet. Stella s’affirme comme l’une des représentantes de cette première génération d’artistes qui considérait la peinture abstraite comme une option évidente. Selon lui, l’abstraction constituait même la seule manière de pratiquer la peinture avec ambition dans l’après-guerre.
Illusion d’optique de ses rayures alternées
« Suite à ces « peintures noires » de 1959, Stella a développé dans les années 1960 le Toiles façonnées qui représentent une progression décisive dans sa conception de la peinture. Les contours de ces tableaux dialoguent avec l’espace intérieur, ce qui crée une correspondance inédite entre le tableau et la forme du cadre., analyse le grand musée suisse. La grande rétrospective de 100 œuvres depuis les années 1950, que lui a consacrée le Whitney Museum de New York à l’hiver 2015, a montré comment sa peinture est devenue sculpture : d’abord par illusion d’optique de ses rayures alternées, en noir et blanc, puis en couleurs. , par le jeu de répétition des motifs opposant ces deux types de palettes, puis par le format, parfois énorme, puis par le jeu de formes, de plus en plus complexes qui s’échappaient du tableau comme une furieuse animation en 3D.
Le plus spectaculaire des peintres-sculpteurs, toujours défendu à Paris par le galeriste Daniel Templon, a ainsi conquis les musées (immense tableau multicolore au Kunstmuseum de Bâle dans la partie souterraine qui relie le Haupbau au Neubau), mais aussi les particuliers. des collections comme celle de Philippe Austruy à la Commanderie de Peyrassol (Tengan-Tenganan, 2009, sculpture écarlate entre la voile du bateau et l’étoile céleste en tubes de fibre de verre et inox, 317 x 670 x 91 cm). Et bien sûr celle de son ami Bernar Venet qui lui a fait connaître sa renommée dans sa Fondation Venet au Muy, près de Fréjus, et où il a commandé un pavillon sur mesure mêlant architecture et peinture XXL. Le tout en air (presque) libre.
« J’ai rencontré Frank Stella pour la première fois en 1966 lors de mon premier voyage à New York, alors que je vivais dans le studio de Frank Stella.Arman juste au-dessus du sien sur Walker Street.confiée à Figaro Bernar Venet, profondément bouleversé. « Mais ce n’est qu’au début des années 2000 que nous avons entamé une véritable relation amicale. Malgré sa gentillesse et sa disponibilité à mon égard, j’ai toujours été intimidé par Frank, et je l’ai toujours abordé avec un immense respect. Je savais que j’avais devant moi un géant au plus haut niveau de l’histoire de l’art, il était le modèle absolu de ce qu’un artiste doit faire, c’est-à-dire remettre constamment en question ce qui est acquis et ne pas croire que ce qu’on a créé est suffisant. Frank a eu jusqu’au bout le cerveau d’un artiste de 25 ans.
« Chaque année de son immense carrière nous a permis de découvrir de nouvelles propositions formelles, toujours dans une dynamique de renouvellement permanent. Aucun artiste de sa génération n’a connu cet héroïsme constant et chaque explosion de Frank était une surprise pour tout le monde.souligne Bernar Venet, le collectionneur viscéral qui n’a pas pu résister à sa fascination pour Frank Stella, quitte à friser le déraisonnable. « Il en a souffert et nous avons évoqué à plusieurs reprises ensemble la résistance du public à ses œuvres depuis trente ans. On ne comprenait pas comment une œuvre aussi sobre et plate que ses premières peintures noires avait pu se transformer, chaque année de plus en plus, en reliefs excessifs et puissamment colorés. Son approche typiquement formaliste était celle d’un chercheur insatisfait, convaincu que le champ des possibles est infini, bien plus vaste que tout ce qui a été pensé et produit jusqu’à nos jours.
© courtesy Galerie Ceysson Bénétière
Les artistes sont ceux qui parlent le mieux des artistes. « Son influence sur les artistes de l’art minimal est aujourd’hui reconnue historiquement. Et j’ajouterais que son influence sur une nouvelle génération, orientée vers une abstraction excessive et toujours plus complexe, est évidente. Il dit de lui-même pour défier les commentaires de certains qui ne comprenaient pas son infidélité à ses premières œuvres minimalistes : « Je suis un maximaliste. » Notre perception incrédule de son travail récent s’apparente à celle de ceux qui ont découvert art abstrait pour la première fois au début du XXe siècle. Frank avait toujours une longueur d’avance sur nous tous et nous étions aveugles à ses peintures en relief qui dérangeaient trop notre sensibilité. Un géant vient de nous quitter. Le temps et notre adaptation à son œuvre récente nous prouveront l’immensité d’une production artistique à l’échelle des plus grands.
