Ernest Pignon-Ernest, pionnier du street art, raconte son histoire

Ce tableau traverse Naples et ses peintres. Comment expliquez-vous cette fascination pour cette ville ?
Ma première passion était le Greco. Mon premier voyage à 18 ans était à Tolède. Après c’est la Toscane, j’éprouve de l’admiration, de la passion pour la Toscane, pour cette culture. Ensuite, c’est Naples, c’est la rencontre avec la ville, sa réalité physique, historique et symbolique. C’est cette ville qui m’a amené à l’œuvre du Caravage. Quoi qu’il en soit, c’est évident. A Naples, on ressent très, très fortement cette idée de la mort. C’est à cause du Vésuve, des effets de mémoire sur cette ville. C’est peut-être la ville la plus ensoleillée d’Europe et en même temps, il y a constamment cette confrontation entre la lumière, l’ombre et l’obscurité.

Est-ce aussi une ville qui a beaucoup souffert ?
Cette ville est incroyable. Au XVIIe siècle, il y a eu le tremblement de terre, il y a eu la peste, il y a eu les Espagnols qui les ont écrasés avec leurs impôts, et c’est à ce moment-là que Pergolesi, Carlo Gesualdo, Salvator Rosala musique, l’architecture, la peinture se sont développées. C’est le siècle où la culture est la plus extraordinaire.

Pour décider des emplacements de vos œuvres, il faut connaître tous les coins et recoins de la ville…
J’ai dû coller entre 200 et 300 images à Naples. Dans ma bibliothèque, j’ai 94 livres sur la ville, j’ai tout lu de Virgile à Erri de Luca, je pense avoir tout lu sur Naples. J’ai donc une connaissance approfondie des lieux. Et mes images, après avoir beaucoup marché dans les rues, je les collerai dans les lieux où elles renaissent, j’ajouterai une présence à ce lieu. C’est-à-dire que je connais l’émotion que provoquera la rencontre avec mes images. Ils sont indissociables de l’histoire du lieu, ils entretiennent une relation dialectique, ils se réinscrivent dans le temps.

Et le Caravage serait pour vous le plus napolitain des peintres ?
Petit à petit, émerge la peinture du Caravage où il y a à la fois une grande sensualité, une présence du corps et en même temps, cette sensualité qui dit quelque chose de sacré.

« Le Caravage pour le Caravage ne m’intéresse pas, il ne compte que par et pour Naples. »

Ernest Pignon

dans « Dessin, mémoire, poésie »

Cela explique-t-il aussi votre goût pour les corps torturés ?
Je suis un grand admirateur de Picasso qui sait faire danser les femmes, courir sur la plage. Je ne sais pas comment faire.

Vous revenez souvent à Picasso…
Le constat que tire Pascal Bonafoux, en fait, c’est que j’ai abandonné la peinture, j’avais le sentiment que je ne pouvais pas. Picasso m’a complètement écrasé. C’est vrai que 90% des choses que je vois en peinture aujourd’hui, Picasso les a déjà couvertes, vraiment. Donc. Alors, j’ai le sentiment qu’après Picasso, on ne pouvait plus peindre.

Revenons sur ces corps torturés et ces citations d’œuvres représentant le Christ, la Vierge, Marie-Madeleine, références chrétiennes pour vous, athée.
Je suis athée, mais en même temps, je suis héritier, en étant peintre, de la culture catholique. Étant peintre, je suis toujours ravi d’être né dans la sphère catholique où le dogme de l’incarnation est un don pour les peintres. J’étais enfant de chœur. Et dans mon village de l’arrière-pays niçois, il y a une Pietà du XVe siècle qui m’a marqué à vie. Je crois à cette idée du corps, de la violence contre les hommes. Vous savez, ma référence la plus forte, celle dont je me sens le plus proche, c’est Pasolini. Les problèmes dans Maman Rome ou dans Accattonece sont des problèmes de petits voyous, de travail, de logement, d’emploi. Mais alors, quand il parle d’un petit voyou venu de Rome, cela devient une quête épique.

Comment expliquez-vous que vos sérigraphies sur papier journal et collées aux murs ne soient jamais vandalisées ?
Quand j’ai collé Rimbaud, je me suis rendu compte que si les Rimbaudiens avaient aimé mon image, c’est parce qu’elle n’est pas figée, comme lui ne l’était pas. C’est René Char qui disait de Rimbaud : « Vous avez réussi avec brio. » Il a écrit pendant trois ans et il a arrêté. N’est-ce pas, faire une image de Rimbaud en marbre comme dans un cimetière n’est pas possible, et le plus rimbaudien dans ma proposition, c’était qu’elle allait disparaître. Et cette disparition fait partie de ma palette. Cela fait partie de la mort annoncée. Elle compte beaucoup.

En revenant à Naples, tout le monde a respecté votre travail.
je je veux ça les gens ressentent cette contradiction : en même temps, ils découvrent mes dessins et on sent que c’est le papier le plus ordinaire qui soit, ils sont des bouts de journaux, très beau journal ordinaire. Mais ce que je propose semble travaillé comme le grand tableau. Je travaille beaucoup. Je crois que cela contribue à l’émotion, au potentiel suggestif autant que ce qu’il y a dans l’image.

Mais vous, cela ne vous attriste pas de voir l’œuvre disparaître ?
Non, c’est comme des fleurs. Vous savez, si les fleurs nous émeuvent, c’est parce qu’elles vont disparaître. C’est un peu le même ordre. C’est cette idée que ça ne peut pas ne reste pas. C’est probablement lié à notre époque, à notre époque, à notre histoire. Nous ne sommes pas à la Renaissance, nous sommes dans une période où nous n’allons pas pas faire des œuvres éternelles, cela n’aurait pas été pas de valeur. Finalement, je pense que nous sommes dans une période de doute, de doute total. Mon métier, c’est le doute permanent.

« Avec le nucléaire, c’est un changement dans l’histoire de la société. »

Ernest Pignon

à franceinfo Culture

Quand vous parlez de Renaissance, cela signifie-t-il qu’Hiroshima et le nucléaire rendent ce siècle et le précédent éphémères ?
Ce n’est probablement pas le cas Par hasard si cette manière d’intervenir sur les lieux, je l’ai déterminée par rapport à Hiroshima. Je suis de cette génération qui constate qu’il y a un tournant dans l’histoire de l’humanité avec Hiroshima. En 1965, en l’absence de la Toscane, je suis allé dans le Vaucluse et, à 30 km de là où je viens de m’installer, la force de frappe atomique vient de s’implanter, le plateau d’Albion, vous voyez ? On a dit Hiroshima 1 000 fois, la puissance est terrible. Alors l’idée me vient de travailler sur ce thème, la violence faite à ce territoire, en venant kyster dans cette terre, cet énorme pouvoir de mort.

Mais en peinture, c’est Guernica de Picasso, ce thème. Je veux dire, c’est Guernica ou rien. En faire un tableau était impossible à moins d’être Picasso. C’est ainsi que j’ai réalisé pour la première fois une intervention. Je ne savais pas que ce serait ma pratique. J’ai fait des pochoirs. Je suis parti d’une photo très connue. On dit qu’elle a été prise à Hiroshima, d’un homme anéanti par l’explosion nucléaire dont il ne reste que l’ombre portée. Et à partir de cette ombre portée, j’ai réalisé un pochoir que j’ai imprimé sur les routes, il apparaît comme un fantôme, comme une alerte. Et voilà, c’est la première fois que j’en viens à stigmatiser le paysage. Par une image humaine.

Extrait : « A travers les sérigraphies ou les dessins qu’il colle sur les murs de la ville, Ernest Pignon-Ernest met en lumière ce qu’on y voit comme ce qu’on n’y voit plus. Pour provoquer la réflexion et la mémoire, il cite Le Greco comme le Caravage, Luca Giordano comme Rubens. ou Ingres Ces citations sont des détails de leurs œuvres qu’il récupère ou « corrige », qu’il « traduit » pour que, sur telle ou telle façade, ils trouvent la place que devraient avoir les dessins d’Ernest Pignon-Ernest, parenthèses ouvertes. dans les murs pour que la conscience s’éveille. »

« Ernest Pignon-Ernest. Dessin, mémoire, poésie » de Pascal Bonafoux, Ééditions Actes Sud, 256 pages, 36 euros.